Globos de Diálogo - Cuadernos de Historieta

Valoración respetuosa

2011-06-09T17:28:00.001-07:00

Antonio Altarriba responde a las preguntas de sus lectores (Vía Entrecomics)

- ¿No crees que la tendencia de los últimos años de presentar la "novela gráfica" como la versión "presentable", "intelectual" o "madura" del tebeo , con lujosas ediciones y Premios nacionales, vacía de contenido e "institucionaliza" y "mercantiliza" uno de los pocos mundos artísticos libres, humanso y "rebeldse" que quedaban?

No lo creo. Mientras sea un medio ligero, de fácil acceso, de producción relativamente barata, será un medio abierto a acercamientos frescos, espontáneos, provocadores... Es importante que exista una buena consideración, en cierta medida una "sacralización" similar a la que se practica en otras formas expresivas. Eso favorece la llegada de nuevos lectores, la valoración respetuosa y el asentamiento de la industria. Nada de eso impedirá que cualquiera con algo de ingenio y ganas publique lo más subversivo que se le ocurra. Además, ¿quién dice que lo serio y bien considerado deja de ser "rebelde"? Lee a Baudelaire o el mismo Quijote. Los premios Nacionales no acabarán con los fanzines.

- Ante la práctica inexistencia de revistas de cómic donde los autores puedan publicar de forma remunerada ¿La novela gráfica es la única salida que le queda a un dibujante para ganar algo de dinero en este país?

Pues así es. Un autor novel tiene que ir hoy a una editorial con un proyecto que supere las 80 páginas porque no hay otro formato de publicación. Y es difícil que un primer trabajo tenga la consistencia para afrontar esa extensión y su correpondiente densidad. Es uno de los principales problemas para que el cómic se asiente como industria en España. Falta el soporte en el que los autores emergentes se consoliden. Ahora lo hacen a base de esfuerzo personal y de jugársela en una apuesta trabajosa y sin garantías de publicación.

Leer el cuestionario completo en El Pais

Entrevista a Igort

2011-06-07T11:37:00.001-07:00

"La novela gráfica es una de las versiones contemporáneas de la novela (...) es algo interesantísimo. Y creo que los lectores están preparados. Aquellas revistas italianas que fueron tan populares, con artistas como Muñoz y Sampayo, Guido Crepax o Hugo Pratt, (...) Cuando aquellas revistas cerraron, sus lectores se quedaron huérfanos de libros que reflejasen su propia cultura (...) Así que cuando apareció la novela gráfica, vieron claramente que de alguna forma su propia cultura visual estaba ahí representada. (...) Ahora la novela gráfica está llegando a todas las librerías y a las estanterías de la gente que ya tiene su trabajo, que tiene una familia, y que echaba de menos su propia cultura (...) No me atrae tanto la discusión sobre si la novela gráfica vende mucho o poco. (...) Vendan o no vendan, son libros (...) ¿A quién le importa si Charles Burns vende más que Tex Willer.? (...) ¿A quién le importa cuanto dinero tenía Ernest Hemingway en su cuenta bancaria cuando escribió las famosas 49 historias cortas? ¿O cuánto ganaba JD Salinger? No trabajo para Wall Street, no me interesan estas chorradas. Para mí lo interesante es la dimensión del impacto, culturalmente hablando (...) ¿Qué aporta eso a la cultura de hoy en día? Ese es el tema para mí, esa es la cuestión".

Leer la entrevista completa en Entrecomics

Dino Battaglia: un arte serio.

2011-05-31T10:58:00.001-07:00

"En nuestra época al individuo no le ha quedado más remedio que conformarse con su propia individualidad, buscando falsos estímulos culturales para dar valor de colectivo a algo que nace en la soledad y es de uno (...) El cómic ha venido a llenar un vacío y está asumiendo un lugar en el mundo artístico. Pero no me gustaría que fuera incluido como un tipo específico de arte y fuese tratado como si fuera un pariente pobre, dado que algunos lo consideran como tal. Me gustaría que el arte del cómic fuera de primer grado, un arte serio".

Vía Entrecómics: (link)

Entrevistas a Carlos Sampayo y José Muñoz, Primera Parte

2011-05-24T08:06:00.001-07:00

"No vivimos de esto. Esto es…digamos que un buen complemento ¿no? Vivíamos de esto en los años ´80, hace 25 años. Después se acabó".

Leer la entrevista completa a Carlos Sampayo en Hablando del Asunto

"Soy un refugiado político, postpolítico, amoroso, posthistórico, en el dibujo, en las artes, en la historieta".

Leer la entrevista completa en Cuadritos Periodismo de Historieta.

Un evento en el tiempo

2011-05-17T07:29:00.001-07:00

Extractos de una entrevista a Eddie Campbell

Mucha gente argumenta que (la novela gráfica) solamente es un formato y una etiqueta para vender libros…

Mira, el mundo del cómic en América lo absorbe todo. (...) Hoy introducimos una nueva idea, y la cambian para poder utilizarla. Introduces una nueva idea, el cómic como literatura, la novela gráfica, y dicen, “podemos usarlo. Es una buena palabra, podemos usarla para vender libros, y esos libros tendrán un formato determinado. Creemos un formato para nuestras novelas gráficas. Haremos novelas gráficas de Spider-Man y de Lobezno”.(...) Así es como empezó. Así que para el negocio del comic book es tan simple como un formato(...)Pero no era esa la intención original. (...) El término “novela gráfica” tiene un significado. Una actitud, una forma de pensar. Y es una forma de pensar que comienza hace unos 30 años, desde los años 70. Y es por eso por lo que hablo de un movimiento. Es un evento en el tiempo. Y creo que cuando las generaciones futuras miren hacia atrás y se pregunten “¿qué fue la novela gráfica?”… La novela gráfica fueron las obras más importantes y memorables de ese período. Como Maus, o Persépolis, etcétera.

(...)

No estamos diciendo que los cómics no sean divertidos, no sean interesantes. Solo decimos que hacemos una cosa diferente. ¡Pues démosle un nombre diferente! Simplifiquemos todo esto. Si no quieres llamarlas novelas gráficas, no las llames así, pero estamos hablando un tipo de cómic diferente. Un tipo de cómic que puedes llevar a casa y enseñarle a papá y mamá. Y ellos lo pueden mirar y entenderlo, porque utiliza un lenguaje pictórico más simple

(...)

El comic book genera una especie de superficie complicada. No es una auténtica complejidad, es una complejidad superficial que involucra al lector en una especie de juego a largo plazo en el que tiene que reconocer a todos esos personajes, tiene que conocer la continuidad, tiene que conocer todos los planetas de donde vienen todos los diferentes Green Lanterns. Eso no es complejo, simplemente es complicado. No hay profundidad. (...) Y la novela gráfica se rebela contra eso, sacando a los cómics de ahí, devolviéndolos al lector general, al lector inteligente. Y lo primero que hacemos es una biografía legible, que es lo que hizo Art Spiegelman en Maus. Lo condensó todo en la forma más de representación más simple posible. Casi ni tiene estilo, Maus no tiene estilo. No tiene el interés de los ratones de Disney. Son casi como pequeños personajes de madera en la página. Simplificó tanto, que hablar del estilo de dibujo es irrelevante. Tenemos que hablar de lo que está contando.

(...)

A medida que evolucionamos desde el comic book hasta la novela gráfica, tenemos que dejar de pensar en pequeños incrementos. Tenemos que desaparecer durante 6 años para hacer un libro. Como los escritores, en el mundo de la literatura. Obtener un avance por el libro, y después trabajar durante unos años hasta que el libro se publique. Nunca antes hemos trabajado así, hemos ido evolucionando hacia esto gradualmente. From Hell se hizo por partes, y después salió como un gran libro. No podíamos permitirnos emplear 10 años, nadie nos habría pagado por pasarnos 10 años haciendo un libro. A medida que empezamos a entrecruzarnos con el mundo del libro, tenemos que empezar a acostumbrarnos a un método de trabajo diferente.

¿Y no crees que esto puede ser malo para los nuevos autores? ¿Cómo pueden ganarse la vida durante el año necesario para hacer su novela gráfica?

Tal vez es que yo he encontrado la manera de vivir de manera barata para poder dedicarme durante un año entero a hacer un libro (...) Los autores de cómic antes nunca pudieron hacer esto. Estoy seguro de que no soy el único.(...) Es un juego completamente distinto. Y también es un tipo diferente de cómic. Hemos inventado un tipo diferente de cómic que necesita años para ser realizado. Es como construir una catedral.

Leer la entrevista completa en Entrecomics (link)

Bernard "Rompepelotas" Krigstein

2011-02-09T09:02:00.001-08:00

Traducción de un artículo de Art Spiegelman sobre Bernie Krigstein. El título del post lo explica el mismo Spiegelman: "(...) las iniciales que Krigstein usaba cuando firmaba sus primeras páginas de superhéroes, 'B. B. Krig', venían del sobrenombre que se había ganado en el Ejército: Ballbuster".

El artículo cuenta con varias declaraciones del propio Krigstein:

“Me di cuenta de que el cómic era dibujo y… produje crítica del medio a medida que trabajaba en él”.

(...)

"Mi frívola idea era que la acción en el cómic, como en cualquier arte, no acaba con una persona golpeando a otra en la mandíbula. También existe la acción de la emoción, psicología, personalidad e ideas. Yo anhelaba tener historias que tuvieran más que ver con la realidad y los sentimientos y pensamientos de la gente… una especie de medio literario, digamos incluso que un medio chejoviano, en el que uno pudiera profundizar en la gente real y los sentimientos reales".

(...)

“Fíjate en toda esa acción dramática que uno nunca tiene la oportunidad de ver. Es entre esas viñetas donde suceden las cosas fascinantes. Y a menos que al artista se le permita profundizar en ello, el medio continuará siendo infantil”.

El artículo completo puede leerse en Entrecomics: (link)

Entrevista a Jacques Loustal

2011-01-25T09:07:00.001-08:00

Respecto a los textos que aparecen en tus cómics me resulta muy curioso que muchas veces no parece que estás ilustrando lo que pone en el texto, sino que estás ilustrando otra historia distinta u otra parte de la historia.

Sí, sí, con Paringaux hicimos este juego, esta relación entre el texto y la imagen. Contar a través de la imagen lo que pasaba en los alrededores de lo que se contaba en el texto.

Leer la entrevista completa AQUÍ

Todo BANG!

2011-01-04T11:19:00.001-08:00

(A través de Entrecomics)

Los 14 números AQUÍ

Neolengua

2011-01-04T11:15:00.001-08:00

Porque novela gráfica es un término que está en la tradición del cómic, surge en el cómic, se desarrolla y populariza en él. Está en nuestro vocabulario, en el de la cultura del cómic. No entiendo que alguien pretenda "borrarlo" de él. Y, como ya he dicho más de una vez, si renegamos de un término que está en la cultura del cómic, entonces sí, entonces es cuando alguien que no conoce esa cultura del cómic podría pensar que la novela gráfica ha brotado "espontáneamente". Y que no tiene nada que ver con la tradición del cómic.

Leer el artículo completo AQUÍ

Puntos a tener en cuenta, por Alex Toth

2011-01-04T11:10:00.001-08:00

Elimina lo Superfluo, lo innecesario. Sé perezoso!
Edita tu trabajo constantemente, en cada etapa. Ahorrate trabajo!
Concéntrate en elementos pictóricos restantes (importantes).
Enfatiza aquello que es importante en una escena. Ahorrate dibujar!
Aisla dichos elementos clave (como lo hacemos en un Viewfinder).
Primeros planos sólo cuando sean necesarios: rostros - para atmósfera y expresión -, y pequeños objetos difíciles de distinguir de otra forma.
Para generar una escena, un lugar, para determinar una locación, etc, usar planos generales. Distintos ángulos, pero simplificar.
Después, pasar a planos cortos - dar ritmo, interés, etc (plano general / plano 1 / plano 2 / plano grupal / primer plano / primerísimo primer plano).
Determinar la fuente de iluminación, en caso de que sea necesario, para clima dramático y para los volúmenes de negro, sombras proyectadas, etc, en las figuras y objetos y paredes, lo más correctamente puestas posible!
Elimina dichos juegos de sombras en los demás planos.
Simpplifica, simplifica, simplica, mientras vas trabajando!
Recuerda, algunas escenas serán and deben ser banales, sin importancia, y aburridas, porque son "puentes" entre escenas clave. Como en cualquier otra forma narrativa, películas, TV, libros, teatro, opera, etc, no puedes dejarlos atónitos en cada plano.Recuerda, esto es lo que otorga ritmo a una historia, comas y puntos visuales en un "párrafo u oración visual". Estos son los descansos necesarios en lo que sino sería una tormenta de movimiento! Úsalos! Sin miedo!
Algunas de estas "pausas" o "descansos" pueden ganar en interés pictórico por medio de una bella imagen de atmósfera serena , si es que el escenario lo permite! No desafies la lógica con tal de conseguirlo!
Al aprender a eliminar objetos, figuras y fondos innecesarios, podrás concentrarte en lo que resta por dibujar en la escena, y dibujarlo lo mejor posible como para que la escena "resulte".
En otras palabras: desmantélalo hasta dejar lo esencial y dibuja lo que quede lo mejor posible! (No está genialmente escrito?)
Haz que los aparatos, objetos, máquinas, escenarios, muebles, edificios, etc, luzcan auténticos, para ganar credibilidad!
Como dijo Sickles : "Comprende cómo está hécho algo y no tendrás problemas en dibujarlo!"
Pasa más tiempo pensando qué y qué no dibujar, y cómo - y deberás dibujar menos!
Pre-diseñar, pre-reflexionar...Así, ahórrate trabajo y tiempo!
Pero hagas lo que hagas, házlo bien!
Cuenta tu historia lo mejor posible! Déjate llevar!
Sé honesto con tu historia. Entregate por completo, que luzca!
Estudia películas, fots, pinturas, etc, para la composición! Para recortar, deshacerte de lo no esencial, dar ritmo, punch, economía, fuerza e impacto directo. Pero también para la belleza y las tensiones sutiles, suspenso, acción, humor, luz y sombra, balance, línea vs masa de negro, ad infinitum! Úsalo todo!
Analiza todo lo que veas, sé crítico! De forma positiva!
Mira- observa- recuerda! Armate un archivo de memoria!
Buena suerte.

Johnny Craig

2010-12-15T11:20:00.001-08:00

Por Tristán Cardona

Explicaba el gran Wally Wood, uno de sus compañeros de fatigas en E.C. Comics, que las historias de terror escritas y dibujadas por Johnny Craig eran las más limpias que uno pudiera encontrar en el género. Contrariamente a la mayoría de dibujantes y escritores de la época pre-code Craig huía de lo evidente, de lo obvio, de lo chabacano prefería insinuar a mostrar y su estilo era claro, sobrio y muy limpio.

Leer el artículo completo aquí: link

Estracto del prólogo a "El Eternauta" (de Oesterheld/Breccia), por Guillermo Saccomano y Carlos Trillo.

2010-11-14T12:45:00.001-08:00

Tal vez, para la ética de este editor, lo más molesto era que los personajes de la historia no fueran bellas señoritas ni galanes apolíneos. La estética de Breccia no es la estética verista de Solano López, el dibujante que, en su primera versión en Hora Cero, le diera a este folletín profético- por su estilo más figurativo- un tono menos angustioso. Breccia se preocupa, por estos tiempos, por experimentar en su obra. ¿Acaso la experimentación no es un derecho de los creadores, aún cuando crean por encargo? Imaginamos que la experimentación puede ser perturbadora, aún cuando ocurre en el arte, para gente que teme que algo se modifique, que algo cambie, que alguien se dé cuenta y perciba. Esa gente, tal vez, prefiere como alternativa el quietismo, la espera de una nevada mortal que significará, entre otras pavadas, que los invasores nos ejecuten.

Alex Toth dixit

2010-11-14T12:36:00.001-08:00

Recorte tomado de una "Historia de los comics". Al parecer era horrible la situación del comic en los 70´s:

Entrevista a Eddie Campbell

2010-10-12T18:12:00.001-07:00

Traducción de El Tío Berni

Lo que tenemos que hacer es establecer otro campamento, lejos de ese, donde de alguna manera evitemos la asociación con él. Las revoluciones artísticas suelen comenzar así. Para hacer lo que tienen que hacer, tienen que rechazar el cuerpo principal. El Impresionismo tuvo que rechazar los salones y todo el sistema académico. Eso no significa necesariamente que no le gustase ninguno de ellos, simplemente quiere decir que tenía que empezar diciendo, “rechazamos completamente todo eso, no tenemos nada que ver con ello”. Y entonces, inevitablemente hay una fase en la novela gráfica donde se dice, “detestamos, despreciamos a los superhéroes, no tenemos nada que ver con ellos”.

Leer la entrevista completa AQUI

Entrevista con Jean Marie Derscheid y Thierry Bellefroid

2010-10-03T20:14:00.001-07:00

A veces fue como una suerte de agresión para el público haber descubierto algunos libros. Los colectivos se han focalizado en la edición y muy rápidamente consideraron que las revistas no eran el medio ideal para poder hacer lo que soñaban. Y gracias a eso, una parte del público los tomó más en serio. A partir del momento en que se paga caro para adquirir un objeto, se lo piensa dos veces. Y si lo amamos y sí se mira en una librería y se dice "¡Qué lindo ese objeto. Yo lo quiero!" Efectivamente se hace algo que no es lo mismo que ir a comprar una revista. Es otra manera de hacer, de actuar. Eso es lo que hace que los álbumes llegan a encontrarse con un público, un público fiel, un público que vuelve.

Leer la entrevista completa AQUI

Actualización Bibliografía Básica

2010-09-28T11:23:00.001-07:00

Las siguientes obras fueron agregadas a la sección Bibliografía básica (link) para su descarga directa:

"Persepolis", de Marjane Satrapi (en francés).
"L'Ascension du Haut Mal", de David B (en frances)
"Essex County", de Jeff Lemire.
"Barrio lejano", de Jiro Taniguchi
"El final de la guerra" y "Palestina", de Joe Sacco.
"La Argentina en pedazos", de varios autores.
"Crónicas de guerra", "Relatos de guerra del teniente Koinsky" y "Diario de guerra", de Hugo Pratt.
"Orquídea negra", de Dave McKean
"New York: The big city", "El edificio", "Una cuestion de familia", "Pequeños milagros", "Moby Dick", "Las reglas del juego", "Fajin el judío", "La conspiracion" y "Afán de vida", de Will Eisner.
"Avis de recherche", "La peau du Lézard", "Les sentiers cimentés", "L'Espignole", "Made in U.S" y "Nam", de Edmond Baudoin (en francés).

"Historieta y literatura", por Umberto Eco (sobre Hugo Pratt)

2010-09-14T11:30:00.001-07:00

Publicada en "Un hombre, mil imágenes", 1983.

Entrevista a Hugo Pratt

2010-09-14T11:25:00.001-07:00

Publicada en "Un hombre, mil imágenes", 1983.

Revista Troya (selección de textos teóricos)

2010-09-14T11:05:00.001-07:00

Entrevista a Olivier Deprez

2010-09-14T10:50:00.001-07:00

Las características generales de este nuevo movimiento de historietistas son muy concretas. Desde principios de los años 90, entre 15 ó 20 dibujantes, nos cercioramos de la responsabilidad que teníamos y la posibilidad de publicar nuestros propios libros, por eso decidimos crear nuestras propias editorial y revista donde presentábamos nuestras propuestas. Y para tratar de precisar esta ruptura no definimos nuestro trabajo como tradicional, sino como un proceso en desarrollo que rompe con todos los estándars creativos de la historieta. Como nosotros éramos nuestros propios editores, decidimos cambiar el formato y el número de las páginas, así como darle más preponderancia al estilo de autor. Vemos al autor como un tipo de fetiche, por eso en nuestra manera de concebir la historieta tratamos de ocultar la firma del autor. El objetivo de esto es que disminuyendo la presencia del autor, evidenciamos más el trabajo realizado. (...) Para mí el lenguaje principal que la nueva historieta ha hecho llegar puede resumirse en una oración: en todo instante el lector puede llegar a ser el autor. (...) A partir de que se alcanza un nivel alto en el conocimiento en la materia, para encontrar placer, tenemos que enfrentarnos a algo que tenga suficiente calidad para lograr placer. Por eso digo que la nueva historieta necesita una nueva educación visual, un cierto conocimiento literario, por eso se orienta hacia los adolescentes y jóvenes más que hacia los niños.

Leer el artículo completo AQUI

"La construcción de la marginalidad en la historieta", por Leo Paoloni

2010-09-11T14:43:00.001-07:00

A la hora de pensar el posicionamiento crítico de la historieta de aventuras es necesario tener en cuenta tanto su carácter marginal dentro de los géneros literarios y periodísticos, como su propia historia como género. En el primer caso, se tratará de una doble marginalidad, que, al ubicar a la historieta en un cono de sombras dentro de los medios de comunicación y de la cultura, por así decir, oficial, le permitirá eludir las acciones de la censura en ambos campos. En cuanto a su historia, se tratará de ver cómo su capacidad de referencia fue adquiriendo diferentes tonos y registros (más o menos explícitos) en función de los medios (que brindaban un espacio más o menos autónomo e independiente) que se ofrecían para su expresión. A continuación, proponemos, en primer lugar, un breve recorrido por la historia reciente de la historieta argentina de aventuras, para ver como se construye ese espacio de referencialidad. Luego, trataremos de pensar su marginalidad, para recapacitar en que medida esta se trata de un espacio concedido desde la cultura oficial, o bien construido desde los propios creadores a fin de superarlo para obtener legitimación.

Lea el artículo completo AQUÍ

Mudanza

2010-09-10T16:32:00.001-07:00

Estimados lectores. A partir del día de hoy, el blog "Globos de Diálogo" se muda oficialmente a su nueva dirección:

http://globosdedialogo.posterous.com

Más allá de las comodidades que ofrece el nuevo proveedor a la hora de postear por correo electrónico, confío que la interfaz de navegación y las posibilidades de compartir los contenidos en múltiples redes sociales serán del agrado de todos.

Aún así, esto no significa que la dirección de Blogspot sea dada de baja. Posterous permite redirigir todas las entradas a Blogger, por lo que los seguidores de este blog podrán seguirlo por la vía habitual. Aún así, recomiendo a los nuevos lectores suscribirse a la nueva dirección, ya que además de las ventajas mencionadas, en Blogger deshabilitaré por completo los comentarios y la sección de descarga directa "Bibliografía Básica".

Desde ya muchas gracias y disculpas por las molestias que puedan resultar.

El Editor.

Alan Moore dixit

2010-09-10T13:33:00.000-07:00

Via Entrecomics.

No es el medio del cómic de lo que me estoy alejando. [...] sino que es la industria del cómic la que me produce repulsión. [...] sólo quiero que me dejen en paz y que dejen en paz mi trabajo. No quiero tener nada que ver con la industria del cómic en el futuro. Es una pena, porque tengo un montón de buenos amigos en la industria del cómic. [...] Que entregue esos personajes y ese trabajo del que estaba tan orgulloso a un puñado de gente que considero malísimos para diluirlo y degradarlo para vuestro beneficio comercial, [...] No, eso no va a pasar. Llegaré muy lejos para evitar que eso suceda.

[...] Al final, si no tienen propiedades lo suficientemente valiosas pero tienen esos “creadores en la industria de primera línea” que están dispuestos a producir esas precuelas y secuelas de Watchmen, bueno, probablemente esta sea una idea radical, pero ¿no podrían hacer que uno de esos “creadores de la industria de primera línea” tuviera una idea propia? ¿Por qué DC intenta explotar un cómic que escribí hace 25 años si tienen algo propio? Seguro que deben de haber tenido una idea equivalente desde entonces. [...] Tienen que tener un creador, seguramente, en toda la industria americana que pueda hacer un trabajo equivalente al que yo hice hace 25 años. Sería insultante pensar que no los hubiera.

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Tres modelos de producción en la historieta argentina

2010-09-06T11:12:00.000-07:00

Por Berliac.

Hoy, puede afirmarse, es el editor quien se adapta a los requerimentos de la obra, y no viceversa. El historietista de hoy ya no necesita enriquecer un mercado o crear un sucedáneo destinado a un público entendido. El historietista de hoy cuenta solo consigo mismo, y posee la total libertad para hacer la obra que él, y nadie más, considera que hace falta agregar a la enorme tradición de la historieta en nuestro país. Y esta libertad, como cualquier otra, conlleva no pocas responsabilidades.

Leer al artículo completo AQUI

La cultura es más importante que el copyright, por Mark Waid

2010-09-01T18:56:00.000-07:00

(...) durante las pasadas décadas, las megacorporaciones han convertido el copyright en una máquina perpetua de beneficios para ellas que nunca acabará y nunca expirará. Eso es genial para los individuos propietarios del copyright que se benefician de esa situación, pero es pésimo para la cultura. Lo que es peor, ha llevado a la mentalidad entre los creadores de que la única recomplensa aceptable por la creatividad son dólares y centavos…
(...)
Mira, si estás en el mundo del cómic sólo para hacer dinero, lo respeto. (...) Pero si estás aquí para ganarte la vida y al mismo tiempo encontrar una manera de devolver al mundo, entonces los archivos compartidos (N de E: descargas ilegales) no son un problema… son una oportunidad.
(...)
Te guste o no, las descargas están ahí. Los torrents y los archivos compartidos están ahí. Eso no va a desaparecer (...) Y no es porque a la gente “le guste robar”. Es porque el mayor cambio social en los últimos cinco años es que estamos entrando en la era de compartir. Twitter y YouTube y Facebook… todos se basan en compartir.
(...)
Somos el medio más inteligente y más creativo de América. Sacamos ideas de manera periódica, bam, bam, bam. No sacamos un guión cada tres años. No ideamos un programa de televisión cada 10 años. Hay más ideas en una tienda de cómics un miércoles que en Hollywood en tres años. Somos claramente malos negociantes, pero no hay quien nos iguale en creatividad e inventiva, y hay maneras de hacer que los archivos compartidos trabajen para nosotros en lugar de encogernos temiendo de que vayan a destruirnos.

Leer el artículo completo en Entrecomics (link)

Adrian Tomine entrevista a Yoshihiro Tatsumi

2010-08-13T16:05:00.000-07:00

Las siguientes dos entrevistas fuerom tomadas de las ediciones en inglés de "Goodbye" y "Abandon the old in Tokio" respectivamente.

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"Aquel que se sienta y espera", por Berliac

2010-08-13T16:00:00.000-07:00

"Yo elijo qué leer, y no un librero que importa su material bajo las indicaciones de un distribuidor; y leeré al precio que yo crea justo, y no al que el librero decida cobrarme por hacer un trabajo que yo también puedo hacer. Yo elijo, porque lo que leo me forma como lector, y ser lector es, a mi juicio, una de las formas más interesantes y completas de ser persona".

Leer el artículo completo AQUÍ

Entrevista a Pedro Franz

2010-07-28T13:14:00.001-07:00

"Por lo que veo, la mayoria de los autores que viven de la historieta, o bien trabajan para el extranjero o en otras áreas, realizando trabajos de ilustración o diseño gráfico, o bien haciendo historietas comerciales o para niños, además de estas adaptaciones literarias.(...) Yo me siento completamente lejano a todo eso. Lo que veo de los autores nuevos es una preocupación enorme por cómo publicar su trabajo, en lugar de procurarse las condiciones correctas para ejecutar ese trabajo, que es lo que me parece más importante, creo que eso es lo que brindaría nuevas posibilidades a la historieta. Cuando fui al FIQ, en Belo Horizonte, para ver mejor como funcionaban las cosas, lo que pude ver es que no da para vivir de la historieta en Brasil. Entonces no sé si aquí hay un mercado... en todo caso sea un mercado pequeño o un mercado restringido. Quizá debería estar más preocupado por el "mercado de la historieta", pero no sé... existen otras cosas que me preocupan más. Uno va a una librería, incluso a una especializada en cómics, y pregunta por libros teóricos, y apenas si hay manuales, esos libros de Eisner o McCloud, algunos libros de historia del cómic que parecen repetir casi siempre las mismas cosas, mostrar siempre los mismos autores...eso me resulta más preocupante. El hecho de que la mayoría de los "críticos", periodistas que tienen un blog donde hablan sobre historieta, influenciando el entendimiento de la gente sobre el medio, parecen estar más interesados en comentar los cambios editoriales de Panini, el beso que se dieron Mónica y Cebolinha, o algún film basado en algún super-héroe. En los últimos años surgió esto de reivindicar repetidamente la importancia de Maurício de Souza para el cómic de Brasil. (...) Yo leí "Mônica", vi el "Tren de la Alegría", yo también fui un niño. Todo eso permanece conmigo, es difícil medir esas cosas...pero ya estoy grande. Se está en otro lugar ahora. Hay mucha nostalgia en el medio del cómic, tanto por parte del público como de la crítica y de muchos profesionales. Una nostalgia que no se ve en ninguna otra área artística. Y, por otro lado, ciertos autores que deberían ser mejor estudiados, mejor divulgados y mejor entendidos, acaban por ser olvidados. Hacer las cosas de la manera "correcta"-un cómic bien contado, bien dibujado, de manera que el lector lo entienda- continúa siendo a esta altura la mayor cualidad de una "buena historieta". Eso me preocupa más en este momento que el "mercado" propiamente dicho".

Lea la entrevista AQUI (en portugués)

Entrevista a Hideshi Hino

2010-07-23T15:48:00.000-07:00

Solía dibujar en clase, cubriéndome con el libro de texto para que no me vieran. Un día mi compañero de pupitre me puso un montón de hojas para que siguiera dibujando y el resultado fue un manga. (...) Descubrí, gracias a mi compañero, que podía contar historias sin coste alguno, dibujando.

Leer la entrevista completa AQUI

A propósito de "Dracula, Dracul, Dracul, Vlad?, Bah..." (1984)

2010-07-23T14:15:00.000-07:00

por N. Zukerfeld

En terminos generales uno podría decir que la historieta se encontró, en el procedimiento de la adaptación, frente a dos posibilidades, que intentaron "elevar" la condición de producto de la cultura baja (Eco): por un lado la adaptación de obras universales de la literatura, y por el otro, compartir la moda del momento en términos culturales, acceder así a ciertas imágenes de la sofisticación (Crepax). Breccia en cambio, en "Dracula, Dracul, Dacul, Vlad?, Bah..., 1984). realiza una maniobra que caracterizó toda su obra; el inconformismo frente a ciertos grafismos preestablecidos. Dejando de lado la necesidad del verismo fotográfico que venía experimentando en "Mort Cinder" (1962) expone un expresionismo que se vale del color y la caricatura como base fundamental para la narración. Los colores, generan distancia de la referencia real y los gestos se exageran hasta la mueca, es así como todo funciona como una gran hipérbole gráfica. La distancia que promueve "Dracula..." es generada por dos motivos; en primer lugar el procedimiento de la parodia (¿un Breccia Brechtiano?) y por el otro, la utilización de personajes extraídos de la literatura ("Dracula" es en el título, una duda, quizás hable sobre la poca importancia del orígen, o su múltiple procedencia), la historieta (Superman: "(los superhéroes) son una cagada, que representan un país estúpido como es EEUU.", decía Breccia) y del mundo literario(una vez más Poe). Éstos a partir de un montaje casi irresponsable, conviven en distintas historias "físicamente mudas" de manera natural, y finalmente son presentados como elementos icónicos de aquello que representan: la literatura, la historieta. Dice el propio Breccia sobre la historieta que realiza junto a su hijo y a Oesterheld "La vida del Che" (1968): "El libro sobre el Che podría excitar a las autoridades o a la policía, y entonces los riesgos serían reales". Entonces los riesgos o su realidad, son los que caracterizarán la obra de Alberto Breccia, es en esa búsqueda donde aparecerá cada nuevo dibujo.

Breccia será uno de esos artistas que dará cuenta de su arte no profundizando su procedimiento, sino generando variaciones, cambiando las reglas del juego, creando períodos, creando, en cada paso-trazo, su historia, ayudando al historiador.

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Via Un Faulduo

"La historieta como enfermedad", por Berliac

2010-07-02T18:30:00.000-07:00

Centrándome en el periodismo sobre historieta, hoy me ocupa una cosa: ¿qué información debería brindar un medio masivo? ¿De qué forma, de qué pluma? Resumiendo: ¿qué debemos exigirle, con respecto a la difusión de la historieta, a los medios masivos, teniendo en cuenta que la mayoría de sus lectores son gente no iniciada en esto de la historieta?

Leer el artículo completo: LINK

Viaje (Yuichi Yokohama)

2010-06-24T06:38:00.000-07:00

Via Entrecomics.

Radiografía: El Cubri

2010-06-12T14:16:00.000-07:00

Entrevista a Guido Crepax

2010-06-12T13:02:00.000-07:00

Rigor selectivo en las editoriales, por Javier Coma

2010-06-12T12:47:00.000-07:00

Mort Cincer, detective

2010-06-10T13:58:00.000-07:00

Por Bruno Percivale

El relato (o mejor: algún relato) puede abrirse paso, traspasar la barrera del papel, los barrotes de la tinta, quebrar la cuadratura de la viñeta (subvertir la permanencia) y producir algún cambio epistémico en nosotros (el relato como forma de conocimiento). No son todos los relatos, pero éste en particular creo que logra crear una brecha en el límite de la ficción para escaparse del libro y tensionar nuestra impermeabilidad, nuestro lugar de simples espectadores.

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El rol de la crítica de hisorietas,por Andrés Accorsi.

2010-06-04T08:14:00.000-07:00

Si no existe una crítica que logre establecer normas y standards menos efímeros que las cifras de venta de este mes, y que además intente educar al público e inspirar a los artistas en la búsqueda de metas más perdurables, la única fuerza que termina por regir a la historieta es el marketing, con resultados obviamente deplorables para cualquiera que se interese en serio por este medio.

Los críticos tenemos que estar ahí, porque somos la única alternativa a la lógica del marketing.

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El joven Breccia (Recorrido por la bienal de arte joven 1991)

2010-05-24T16:32:00.000-07:00

Artículo publicado en el Página 12, 15 de Diciembre de 1991:

Entrevista a Yoshihiro Tatsumi

2010-05-15T17:16:00.000-07:00

No había “gekiga” antes de mí y mis colegas (...) De ese grupo de autores de cómics que iba (a la editorial) a cobrar mensualmente, hubo seis o siete de nosotros que nos hicimos amigos. Creamos un foro para hablar acerca del futuro de los cómics, para criticar el trabajo de los otros y para hablar sobre Tezuka. (...) Pensabamos que “gekiga” era el término mas útil para vendernos. Mis amigos y yo nos veíamos a nosotros mismos como siete samurais, como en Los Siete Samurais de Kurosawa. Para cuando nos mudamos a Tokio ya hacía unos pocos años desde que el movimiento “gekiga” había empezado (...) La industria editorial en Tokio era más grande y más oficial. Nuestro trabajo estaba sujeto a las críticas. [Editores y editoriales] nos pedían cambios en nuestro trabajo. Aquellos que aceptaron las críticas acabaron teniendo éxito. Gran parte del trabajo era para revistas infantiles. En mi propio caso, estaba pillado en medio. No me hice popular pero siempre tenía trabajo. Estaba atrapado en ese lugar intermedio trabajando y esperando que mi trabajo en las revistas se hiciera popular. Mirando hacia atrás aun pienso que todavía estoy atrapado en ese espacio intermedio.
Leer al artículo completo AQUÍ.

Edmond Baudoin dixit.

2010-05-14T18:34:00.000-07:00

ENSUCIAR v.t -Fig.Tornar impuro: los (libros) "ilustrados" ensucian la imaginación de los niños.

"No me gusta mucho el mote "banda dibujada" para definir el matrimonio entre dibujo y escritura.
Me gusta menos aún la contracción "BD", que me lleva a pensar irresistiblemente en "Banda para Débiles".
La historieta tiene problemas de reconocimiento. Tiempo atrás, la enseñanza nacional la consideraba poco menos que una "corrupción de menores", algo que distraía a los menores de acercarse a los "verdaderos libros". No entiendo porqué por ejemplo se le dice "album" a un libro de historietas.
La mayoría de los periodistas, hombres de letras, no estarán muy de acuerdo con esta idea. No les atrae reseñar historietas, y cuando hablan de una mala película, la describen como "una buena historieta".
Raros son los hombres y mujeres de letras que en un entrevista osan decir "me gusta la historieta", y menos que menos admitir "soy fanático de tal tira cómica". A pesar de esto, y como todo el mundo, tienen un pila de historietas junto al retrete.
Sé escribir un poco, sé dibujar un poco, y por eso adoro el trabajo de alquimista que consiste en intentar unir los dos lenguajes.
De los dos, es el dibujo el que hace más tiempo que utilizo. A pesar de ello, es el que más problemas me presenta.
La escritura es siempre abstracta. Todo es descripción, aún en aquellos grandes espacios que nosotros completamos con nuestra cultura, con nuestra imaginación, como dice el Petit Larousse.
El dibujo es bien concreto. Una línea recta, horizontal, dibujada en un pedazo de papel, ya es el mar.
Adoro el blanco, la vida, calzar el bolso de explorador sobre los hombros del lector.
Viéndolo bien, en el fondo estoy de acuerdo con el Petit Larousse de 1961.
Mi desafío, mi batalla, mi placer, consiste entonces en demostrar que los "ilustrados" no ensucian a los niños.
Y ello me enorgullece desmesuradamente".

De "Derriere les fagots", de Edmond Baudoin:

Entrevista a Ángel de la Calle

2010-05-04T07:51:00.000-07:00

La rotulación según Moebius

2010-04-28T16:07:00.000-07:00

Vía Es muy de Cómic

Diálogo con Edmond Baudoin

2010-04-13T11:26:00.000-07:00

Cuando hago libros que no son autobiográficos, como "El Viaje", digo más cosas de mi mismo, y más justas, que cuando hago autobiografía, donde invento mucho, miento mucho. Y miento menos cuando creo otros personajes, porque te puedes esconder detrás de la máscara (...) En el mundo del comic, muchos dibujantes son muy ombliguistas… y si yo hago un pipí azul, no interesa a nadie…

Leer la entrevista completa AQUÍ

Dave McKean dixit (2001)

2010-04-04T18:46:00.000-07:00

Palabras preliminares para su libro "Pictures that tick, Vol.1".

Durante estos últimos años estuve trabajando en otras cosas, en su mayoría películas, fotografía, ilustración y diseño para CDs, libros y publicidades, etc. Y eché de menos los cómics, pero no así la industria de los cómics.
Cuando salió mi primer libro con Neil Gaiman, los cómics ascendían lentamente por la pendiente de la respectabilidad, después se convirtieron en la nueva música pop, y después explotaron y la pegaron, y los cocineros de la tele, diseñadores de interiores y tipógrafos gozaron de sus 15 minutos de fama, y después los cómics cayeron nuevamente por la pendiente hasta quedar reducidos a una herramienta de marketing, una sala de espera para futuras películas y juguetes.
Estos años de distancia me permitieron ver el asunto con mayor claridad, y los resultados pueden apreciarse. Las conclusiones que saqué son bastante obvias:

1-¿Acaso no es genial Winsor McKay? Quiero decir, genial.
2-Se dio un extraordinario número de redundantes callejones sin salida.
3-Al contrario que en la industria de la música, que parece ser un hiperactivo y obsesivo cubo de Rubick (demonios, los colores son siempre los mismos pero ahora están dispuestos en un orden un poquitín diferente, esto sí que va a estar bueno), la industria del cómic parece sufrir un miedo patológico frente al cambio.
4-¿Acaso existe un medio de narración visual más potente, accesible, íntimo y democrático que los cómics? No lo creo. El teatro necesita un teatro, el arte narrativo necesita una galería narrativa, la TV necesita dinero, el cine necesita mucho más dinero aún y 267 viandas. El cómic necesita una pluma, un papel, una fotocopiadora quizá y un imprentero amigo. Supongo que si están leyendo esto (...) creen en el potencial poder expresivo e intimidad personal que los cómics pueden alcanzar, pero hay otra cosa: todo el mundo hace cómics. Y digo todos. Todo el mundo saca fotos durante sus vacaciones, ¿verdad? O en los casamientos, o de nuestros hijos. Y todos las usan para contar historias, para evocar un evento en un orden secuencial, la historia de una vida, desde el nacimiento hasta la graduación, es una de las cosas que nos hacen decir "Aah", ¿no es cierto? (...)
Nunca disfruté tanto de los cómics como mientras hacía las historias cortas de este libro, o mi novela gráfica "Cages". Intenté hacer el libro que me gustaría comprar pero veo que falta en las bateas de las librerías, de eso se trata.

Entrevista a Yuichi Yokoyama.

2010-03-26T14:42:00.000-07:00

Por Dan Nadel.

It’s very difficult to describe, but in my personal life I don’t respect human feelings. I’m very far from human society, I’d rather appreciate natural phenomena. I’m very interested in understanding how a bird might see things. I want to delete the human feelings because the reader wants to emotionally take sides with one particular person and I’d prefer they remain neutral. That’s why I don’t want to produce a scene where people feel sympathy with a particular person.

Lea la entrevista completa AQUI

Dossier Pratt (por Carlos Trillo y Guillermo Saccomano)

2010-03-17T21:08:00.000-07:00

Entrada original: link

Un tal Breccia

2010-03-17T20:34:00.000-07:00

Entrada original: Link

WATCHMEN: La Autopsia de los Superhéroes

2010-01-28T17:58:00.000-08:00

Artículo de Pepo Pérez sobre el la obra de Alan Moore y Dave Gibbons.

Conforme los autores realizaban mensualmente los doce episodios de Watchmen fueron descubrieron nuevas posibilidades narrativas, especialmente a partir del tercer capítulo. (...) A partir de dicho capítulo en particular, Watchmen fue abordada con un tratamiento autoconsciente donde el uso de elementos metalingüísticos, el recurso constante a los flashbacks, la contraposición entre texto y dibujo, el juego de los colores (...) o los experimentos formales de algunos capítulos (...) aportaron una nueva dimensión a la historia. De repente, Watchmen se había convertido en un tebeo que se narraba a sí mismo.

Lea el artículo completo AQU I

La "Fórmula de adaptación de obras literarias a la historieta", por Berliac.

2010-01-28T15:30:00.000-08:00

Tras asistir durante algún tiempo a una nueva tendencia (por nueva me refiero únicamente en cuanto a los países de habla hispana) de adaptaciones de obras literarias a la historieta, advertí un patrón que como mínimo me hace sospechar de la existencia de una, tácita si se quiere, "Fórmula de adaptación de clásicos de la literatura a la historieta".

(...)

Es decir, la historieta no puede ser nunca un fin en sí mismo, sino un medio, un puente que el iletrado total ha de cruzar para llegar al arte.

Enconces, asumiendo que el contenido, el arte a alcanzar, serán obras literarias, y decidido que la forma de alcanzarlas, el puente, serán las historietas:

¿Qué aspecto deberá tomar esa conjugación de forma y contenido? Y por lo tanto, ¿a qué criterios ha de ajustarse un historietista para llevar a cabo dicha tarea de "ingeniería"?

Lea el artículo completo AQUI

Dibujantes y Autores

2010-01-27T21:34:00.000-08:00

Artículo de Stéphane Farinaud sobre la forma de mencionar a los autores en los créditos de la colección Bayou de la editorial francesa Gallimard.

Traducción de Martín M. Muntaner.

-

Cuando se trata de designar a sus practicantes, cada uno siente intuitivamente que las nociones de "guionista" y "dibujante" son demasiado restrictivas para calificar el trabajo hecho. De ahí la tentación de tomar "autor" del logos de la literatura y “dibujante” del de las artes gráficas. Lo que hay de lamentable en la elección de Gallimard es sin duda poner frente a frente dos términos de diferentes registros: "dibujante” describe una función operacional, mientras que "autor" trae consigo nociones de mérito y propiedad artística. De ahí nuestra percepción de una jerarquía de roles expresada por el editor.

Lea el artículo completo AQUI.

Yoshiharu Tsuge

2010-01-10T14:22:00.000-08:00

Artículo de Beatrice Marechal.

Tsuge fue capaz de crear un nuevo tipo de historia gracias a la política editorial de "Garo". Gracias a sus trabajos, los cómics en Japón son definitivamente una forma artística para adultos en lugar de entretenimiento exclusivamente para niños. Su influencia es enorme y amplia, incluyendo la tendencia comenzada en los años setenta de los cómics revelando los matices psicológicos de sus personajes y la libertad de los autores de cómic para expresar lo que quieren decir en lugar de seguir géneros establecidos. Todo esto es el resultado del trabajo pionero de Tsuge.

Leer el artículo completo AQUI

Entrevista a Domingo Madrafina

2010-01-06T13:23:00.000-08:00

Por Javier Mora.

"(...) yo llamaría estilo a la conjunción de todas esas cosas: la forma de encarar el guion, de resolverlo en tiras, determinada cantidad de cuadros por página, y no tanto lo que comúnmente se llama en el mundo de los dibujantes el estilo, referido más específicamente a lo que es el dibujo y la técnica del pasado a tinta, que fue para mí siempre una obsesión particular. Eso creo que no se resuelve del todo nunca y soy consciente de que si se resuelve, se congela, uno se queda quieto con un corsé autoimpuesto. El gran problema, entonces no es encontrar un estilo sino una coherencia, como herramienta para ser comprensible".

Lea la entrevista completa AQUÍ

Entrevista a Andrea Bruno

2009-12-02T11:43:00.000-08:00

Por Carlos Reyes G.

"Pienso mucho primero, mucho. (Pero) cuando comienzo a dibujar a veces invento otra cosa. Cuando comienzas a dibujar entras en otro territorio y cambia un poco la cosa".

Lea la entrevista completa AQUI

Charla con José Muñoz

2009-10-30T15:36:00.000-07:00

Moderada por Christian Gasser y Max.

Todo esto parte del principio de la conversación, o sea, uno apela a diferentes partes de este flujo magnífico de esta especie de conciencia de vida de la cual nosotros vivimos y en el caso de nosotros los dibujantes tenemos la posibilidad de poderlo evocar y volcarlo en el papel. A mano. Todo a mano.

Lea la charla completa AQUI.

Perramus, un poema sobre la aventura del Hombre

2009-10-30T15:26:00.000-07:00

Texto de Javier Coma, publicado en la revista Rambla.

Entrevista a Enrique Alcatena

2009-10-23T13:30:00.000-07:00

Por Andrés Valenzuela.

"Aunque reconoce que las bitácoras pueden funcionar como los antiguos portfolios y tienen “la enorme ventaja potencial de llegar a miles de personas en todo el mundo”, también señala que adolescen de varios vicios: “como la exacerbación del narcisismo, la tendencia a volverse un club cerrado donde los corresponsales se tiran flores mutuamente, o la ausencia de la capacidad crítica respecto al propio trabajo que desemboca en una autoindulgencia total”.

Leer la entrevista completa AQUI.

Entrevista a Jaime Hernández

2009-10-17T09:59:00.000-07:00

Breve entrevista a uno de los pioneros del comic independiente americano.

P: De R. Crumb a Gabrielle Bell a Chris Ware o a Chester Brown, los comics "indie" suelen estar escritos desde la perspectiva del autor, sobre el autor. ¿Por qué, en tu opinión, es ésta la tendencia?

JH: Deben de estar muy enamorados de sí mismos.

P: ¿Por qué no secundas esta tendencia?

JH: No lo sé, supongo que siempre he disfrutado usando mi imaginación más que poniendo mi culo aburrido en la página.

Lea la entrevista completa AQUÍ

Entrevistas a Alan Moore

2009-10-06T15:20:00.000-07:00

Listado de entrevistas a Alan Moore (en inglés).

LINK

"The seducition of the innocent", por Fredric Wertham.

2009-10-06T12:49:00.000-07:00

"Los comics en el peor de los casos son demoníacos, en el mejor simple basura”.

Leer el libro completo AQUI (en inglés)

Sobre el autor.

"La Técnica del Cómic", de José María Beá

2009-09-29T16:33:00.000-07:00

Selección de textos del libro "La Técnica del Cómic", de José María Beá.

Historia de los cómics, de Josep Toutain y Javier Coma

2009-09-16T11:15:00.000-07:00

* VOLUMEN I. LOS CLÁSICOS NORTEAMERICANOS (fascículos 1 a 12).
La evolución de los comics en Estados Unidos hasta los años 50.

1 - Un nuevo arte.
2 - Tiras diarias de Prensa.
3 - Arrolladora implantación de una amplísima mitología gráfica.
4 - Relatos por entregas.
5 - La depresión económica incrementa la sátira y el Testimonio Social.
6 - Una AVENTURA por tierra, mar y aire.
7 - El mundo de DISNEY trasplantado a los comics.
8 - Aparece el comic-book. Los comics y la 2º guerra mundial.
9 - Un ALUD de superheroes y superhombres.
10- LA Acción inunda la vida Cotidiana
11- los NUEVOS CAMINOS de los comics humorísticos.
12- Comics de ciencia ficción, crimen y terror de los 50.

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* VOLUMEN II. LA EXPANSIÓN INTERNACIONAL (fascículos 13 a 24).
El desarrollo de los comics en Europa y Latinoamérica hasta los 60.

13 - Surgen los comics EUROPEOS.
14 - Mas aventura que humor BAJO EL FASCISMO.
15 - ARGENTINA sorprende con sus primeros CLÁSICOS.
16 - LA GUERRA CIVIL quiebra la evolución del comic español.
17 - Raices de las tendencias FRANCO-BELGAS.
18 - Caricatura y Escapismo en la ESPAÑA FRANQUISTA.
19 - El Auge satírico en LAS TIRAS BRITANICAS.
20 - El HUMOR LATINO produce éxitos internacionales.
21 - los grandes años de la AVENTURA en GRAN BRETAÑA.
22 - De la Ciencia-Ficción al WESTERN en los comics Franco-Belgas.
23 - Argentina promueve los comics ADULTOS.
24 - Reconocimiento CULTURAL de los comics en Europa y paralela moda del EROTISMO.

(DESCARGAR)

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* VOLUMEN III. U.S.A, TIEMPOS MODERNOS (fascículos 25 a 36).
Directrices de los comics norteamericanos desde los años 50 hasta la actualidad.

25 - La Guerra. Su permanencia. Su Recuerdo.
26 - Los últimos grandes aventureros...
27 - Brillante renacimiento del humor en la prensa.
28 - Nacen y renacen superheroes traumatizados.
29 - Nuevas publicaciones huyendo de la censura.
30 - La Era UNDERGROUND
31 - Fantasía heroica - espada y brujería.
32 - Ascienden la Comic-Novela y Richard Corben.
33 - El despegue de los innovadores contemporaneos.
34 - Comics de VANGUARDIA en ambiciosos magacines.
35 - Una NUEVA RAZA de animales parlantes.
36 - Los Comics Norteamericanos HOY

(DESCARGAR)

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* VOLUMEN IV. RUMBOS CONTEMPORÁNEOS (fascículos 37 a 48).
Nuevas tendencias de los comics a partir de los años 60 con la universalización progresiva de las mismas en un movimiento global.

37 - Convulsión en los comics franceses por el MAYO DEL 68
38 - CONCIENCIA DE AUTOR. En los comics españoles durante la agonia del franquismo.
39 - El apogeo de los comics ITALIANOS.
40 - En el mundo de los comics BRITANICOS.
41 - Comics en la España POSTFRANQUISTA.
42 - COMICS Franceses Contemporaneos
43 - las modernas innovaciones ARGENTINAS.
44 - los comics en lengua PORTUGUESA.
45 - De Australia a Canadá pasando por JAPÓN.
46 - HOLANDA una apasionante evolución.
47 - Exitos internacionales de los comics NÓRDICOS y YUGOSLAVOS.
48 - INDICE de autores y obras y FE DE ERRATAS.

(DESCARGAR)

Entrevista a Alberto Breccia

2009-09-11T13:48:00.000-07:00

Entrevista practicada por Antonio Martín, Carlos Giménez y Luis García, publicada en Bang! # 10 y #11 (1973).

Es que hay un error básico en todo esto. El dibujante se cree un intelectual y no sabe que es un trabajador. Yo admiro mucho más y respeto mucho más a un plomero que va a casa a cambiarme el grifo y me dice «mire usted esto vale 5.000 pesos y si no le gusta llame a otro». Y yo le digo, sí señor, cámbieme el grifo por favor. A un dibujante lo llaman de una editorial, lo hacen esperar cinco días, le pagan cuando quieren y lo basurean, y el dibujante se aguanta, porque está en el nivel del intelectual, el hombre que no discute precios. Pero el dibujante ha de ser un trabajador en el momento de los precios, después será artista".

Leer la entrevista completa:

*PARTE 1

*PARTE 2

Análisis de "Master Race", por Art Spiegelman y otros

2009-09-11T13:39:00.000-07:00

Aparecido en el número 6 del fanzine Squa Tront (1975)

Master Race de Bernard Krigstein es una de las mejores historias que jamás han aparecido en forma de cómic. Es una rareza del comic-book; una historia con tanta densidad y profundidad técnica que requiere un examen detallado y exhaustivo por parte del lector. En parte debido a la propia naturaleza de la industria, la mayoría de historias en los comic-books, incluso los buenos, no contienen nada más allá de lo que es inmediatamente aparente al lector ocasional. Pero Master Race tiene capas de significado y detalle tanto en su forma como en el contenido visual que aportarán al lector atento un nuevo disfrute más allá de lo inmediatamente aparente con cada lectura. Lo que sigue no es un análisis definitivo, sino simplemente los resultados de uno de esos exámenes.

Lea el artículo completo AQUÍ

Entrevista a Ignacio Minaverry, por Andrés Velenzuela.

2009-09-11T10:24:00.000-07:00

"No me gusta esta corriente personalizadora de la historieta con el cómic autobiográfico”.

Leer la entrevista completa:

*Parte 1

*Parte 2

Comic Books and Juvenile Delinquency (1954)

2009-09-11T10:09:00.000-07:00

+ fotos

Informe senatorial a raíz del cual se creó el Comic's Code Authority, practicamente poniendo fin a la editorial EC.

Leer el informe completo AQUÍ. (En inglés)

Libros sobre historieta, de varios autores

2009-09-10T20:33:00.000-07:00

Cliquear las imágenes para descargar los ebooks:

La construcción de la marginalidaden la historieta, por Leo Paoloni

2009-09-09T20:23:00.001-07:00

A la hora de pensar el posicionamiento crítico de la historieta de aventuras es necesario tener en cuenta tanto su carácter marginal dentro de los géneros literarios y periodísticos, como su propia historia como género. En el primer caso, se tratará de una doble marginalidad, que, al ubicar a la historieta en un cono de sombras dentro de los medios de comunicación y de la cultura, por así decir, oficial, le permitirá eludir las acciones de la censura en ambos campos. En cuanto a su historia, se tratará de ver cómo su capacidad de referencia fue adquiriendo diferentes tonos y registros (más o menos explícitos) en función de los medios (que brindaban un espacio más o menos autónomo e independiente) que se ofrecían para su expresión.

A continuación, proponemos, en primer lugar, un breve recorrido por la historia reciente de la historieta argentina de aventuras, para ver como se construye ese espacio de referencialidad. Luego, trataremos de pensar su marginalidad, para recapacitar en que medida esta se trata de un espacio concedido desde la cultura oficial, o bien construido desde los propios creadores a fin de superarlo para obtener legitimación.

Lea el artículo completo AQUÍ

Trascender con el comic, por Kioskerman

2009-09-09T20:20:00.000-07:00

El arte, y en especial el comic, tiene un sentido especial, que está ligado a la posibilidad de lograr que el lector tenga una mínima experiencia de trascendencia. Trascendencia entendida como la posibilidad de salirse de uno mismo y entrar, aunque sea brevemente, en otro estado de conciencia diferente al de la vida diaria.

Mi teoría es que esto sucede primero en dos pasos relacionados con el dibujo: el dibujo que permite ser leído como simbólo (como un "primero paso") y el dibujo que permite meterse en un nuevo mundo (como un "segundo paso").

Lea el artículo completo AQUÍ

Entrevista a José Muñoz, por Lucas Nine.

2009-09-09T20:16:00.000-07:00

Lea la entrevista completa AQUÍ

El historietista moderno, por Daniel Clowes

2009-09-09T19:54:00.000-07:00

*PÁGINA UNO
*PÁGINA DOS
*PÁGINA TRES
*PÁGINA CUATRO

"Fueye", la identidad y el desapego, por Manuel Barrero

2009-09-09T19:49:00.000-07:00

Reseña de "Fueye", de Jorge González.

Fueye es un tebeo amargo y que textual y gráficamente ahonda en esa amargura. La aflicción se traduce en sus páginas arrastradas y sucias, tornadizas al sepia o a veces abandonadas en el croquis. Todo está aparentemente concebido para representar una memoria desdibujada, o sucia (por turbia), con abocetado fosco y terminación aparentemente desatendida. Un efecto, deliberado en realidad, que su edición por Sinsentido roba parcialmente al lector a causa de su lujosa edición, con un satinado que resta brillantez a la obra, paradójicamente, aportando resplandores allí donde la luz es mortecina, apañando blancos en un marco de luz crepuscular. Hubiera merecido este libro un papel más graso y pulposo, con la esencia del tiempo contenido en sus arrugas.

Lea el artículo completo AQUÍ

Investigaciones y análisis teóricos sobre la historieta argentina, por Carlos R. Martínez

2009-09-09T19:32:00.000-07:00

Un panorama general de los principales aportes a lo largo de medio siglo.

A casi un siglo de sus tanteos iniciales, la historieta argentina se ha forjado una trayectoria que le permite contar con un apreciable grado de reconocimiento a nivel internacional. Ese prestigio reconoce dos orígenes principales: la época dorada que vivió durante casi toda la década del cincuenta, con grandes sucesos editoriales, aceptación popular y la creación de personajes leídos y recordados por varias generaciones y, agotada esa etapa, otros períodos o momentos creativos que sin alcanzar aquella magnitud sirvieron sí para ratificar los pergaminos obtenidos anteriormente, circunstancia a la que se suma la repercusión en el mercado internacional de la obra de diversos dibujantes y guionistas argentinos y de sus creaciones. Con tales antecedentes resulta natural que a lo largo de los años se haya acumulado un importante cuerpo de estudios de investigación, crítica y análisis sobre la historieta argentina.

Lea el artículo completo AQUÍ.

Análisis, síntesis y velocidad, por Federico Reggiani

2009-09-09T18:49:00.000-07:00

La construcción de la secuencia en historieta como lugar de emergencia de la instancia de enunciación.

Todo montaje es una instancia enunciativa, en virtud del sentido que produce la yuxtaposición de elementos. La cadena visual de la historieta es el producto de una enunciación, marcada por elecciones en cuanto a ritmos, grados de repetición o de elipsis, selección de momentos significativos y apuestas a la transparencia o la exhibición de los recursos. La utopía de una enunciación transparente que niegue el significante enfrenta obstáculos notables en historieta, dado que existe una inevitable tensión entre la página como totalidad plástica y la construcción del relato: la historieta propone imágenes articuladas por un eje temporal, pero dispone esas imágenes en coexistencia sobre un plano. Sin embargo, la elección de un sistema de montaje "transparente", o su desvío, permite establecer tipologías sobre el régimen de enunciación elegido, y su relación con tradiciones genéricas o estilísticas. Pueden aislarse dos formas básicas de desvío, la elipsis y el análisis: el borrado de momentos clave o su descomposición en múltiples viñetas, y ambos funcionan como subrayados de la instancia de enunciación. Se analizan secuencias mínimas en tres historietas policiales pertenecientes a sucesivos estados del campo: "Cayena" (Oesterheld y Haupt), "Savarese" (Wood y Mandrafina) y Alack Sinner (Sampayo y Muñoz).

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La crítica de historieta, por Diego Agrimbau

2009-09-09T18:43:00.000-07:00

Desde hace décadas la historieta continúa poniendo en duda su identidad como medio. Hasta el día de hoy no hemos dado con una definición de cómo funciona, de sus recursos, de su lenguaje específico. Ni siquiera hay un consenso aceptable sobre la fecha de su creación. Pero de todas las inseguridades que tiene el cómic, la peor es su condición incómoda de arte menor. Y por los múltiples atrasos que tiene nuestro país con respecto a las potencias mundiales del cómic, estas inseguridades están todavía más lejos de ser resueltas.

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Entrevista a Fernando Calvi, por Andrés Valenzuela

2009-09-09T18:33:00.000-07:00

“Para mi la clave es que los lectores intuyen que se está diciendo otra cosa. Cuando pasa eso es muy fácil creer que hay una forma de leerla, y esa es la peor forma de leer historieta porque lo único que te va a provocar es frustración y preguntarte qué quiso decir este tipo. Lo que yo quise decir, está dicho, y dicho de forma clara, además”.

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Bibliografía básica

2008-10-22T19:26:00.000-07:00

La belleza de mi madre
Una fotografía

Icaro: Vol. 1 / 2 (con Jean Giraud)
El olmo del cáucaso (con Ryuichiro Utsumi)

*Tardi, Jacques

Balada de la costa oeste

*Tatsumi, Yoshihiro

Abandon the old in Tokyo
Goodbye
The pushman and other stories

*Tezuka, Osamu

Adolf, volúmenes 1 / 2 / 3 / 4 / 5
Buda, tomos 1 / 2 / 3 / 4 / 5 / 6 / 7 / 8 / 9 / 10
Metrópolis

*Thompson, Craig

Blankets: partes 1 / 2

*Tomine, Adrian

(Optic Nerve)
32 Stories
Ongoing
Sleepwalk and other stories
Summer Blonde

*Trillo, Carlos

Ver Alberto Breccia y Domingo Mandrafina

*Tsuge, Yoshiharu

Nijiki-Shiki (La espita)

-V-

*Vivés, Bastien

Le gout du chlore

-W-

*Ware, Chris

Acme Novelty Library, volúmenes: 1 / 2 / 3 / 4 / 5 / 6 / 7 / 8 / 9 / 10 / 11 / 12 / 13 / 14 / 15 / 16 / 17 / 18 / 18.5

Floyd Farland, Citizen of the future
Jimmy Corrigan

*Wood, Robin

Ver Domingo Mandrafina